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摘要： Bob Dylan为什么要去画油画？中国古代的工笔画非常写实，为什么国画中的人物画像很不协调？Bob Dylan为什么要去画油画？唱而优则画。实际上，绘画与音乐之间有着千丝万缕的联...

1. Bob Dylan为什么要去画油画？
2. 中国古代的工笔画非常写实，为什么国画中的人物画像很不协调？

Bob Dylan为什么要去画油画？

唱而优则画。

实际上，绘画与音乐之间有着千丝万缕的联系。也可以说，不同的艺术种类之间其实也是相互关联的。

抽象绘画的鼻祖，俄罗斯画家康定斯基，就是第一个把音乐用画笔表现的画家。人们称之为“通感”绘画，也把他称为“画布上的乐师”。

康定斯基早年学过钢琴，还是个业余大提琴手，他的抽象绘画可以说是听觉和视觉混合的“通感”绘画，他经常给他的画命名为“狂想曲“、“即兴曲”、“圆舞曲”……从他的抽象画面上可以体会到韵律和动感、空间里疯狂波动的节奏和情绪的宣泄。

所以，也就不难理解Bob Dylan唱歌唱得好好的，跑去画画了。我想，他的情绪表达、他的创作灵感、他的艺术理念，通过绘画这种形式得到了很好的宣泄和传递。

近年来，Bob Dylan的画展次第花开——伦敦、纽约、哥本哈根……每到一处，他的展览都会引起轰动、关注，取得了很大的成功。

不过，2011年时，纽约高古轩画廊为他举办的画展却引来了很大的争议。这次画展上，他把自己在日本、中国、越南、韩国等地巡演时绘制的人物、街景、建筑和风景，名为“亚洲系列”。

一些批评家指称这些作品并非原创，而是临摹的历史照片。来，照片走一波。

中国古代的工笔画非常写实，为什么国画中的人物画像很不协调？

纵观历史“琴棋书画”“诗词歌赋”都是达官贵人的“雅玩”。正所谓“经济基础决定上层建筑”无非中外。

各个国家不同地区和民族在初期绘画中，表现的都是自然景物。由于认识能力以及绘画材料性能的演进，形成了鲜明的的个性。初期仅限于对自然的探索和认知，题材大都以动植物、风景居多。随着生产水平的提高物质的满足，人们逐渐关注“人本”的存在，随着“神权”“皇权”的跌落。人们更加关注生命个体的存在，特别是欧洲“文艺复兴”所倡导的“人本人文”精神理念传输以后，大量表现百姓生活的作品出现在西方画坛。由于中国历代比较强盛，相对比较封闭。独裁皇权意识强盛，单纯的人像绘画仅仅停留在达官贵人的层面。表现形式由于缺乏国际交流，大都停留在传统技法基础上没有太大的变化。直到近现代才得以改善和发展。

谢谢悟空的邀请。

关于古代国画人物不协调的问题，其实是个艺术创作出发点的问题。众所周知，我们的绘画是以线为基础的方式，也就是说，古人在创立绘画方式的时候是基于书法文字的基础上产生的一种画法。我们的传统画都是用毛笔来勾画，写字也是用毛笔，而字体的笔划又都是由线条组合而成的。因此可以断定，书与画密不可分。

（而西方的绘画与文字无关，他们用鹅毛管沾墨水书写，却用圆头或扁头的毛刷画油彩画，使用刮刀更改或调色。）

毛笔的优势是既能写也能画，且黑白彩色皆可用。

线条刻画形象与西方的块面画大为不同，块面画要仰仗光线的明暗来实现，而线条不依赖光影，它勾勒的是物体的轮廓结构，不足之处是立体感较弱。

块面结构和光影不可分割，无光即无影。在物体的转折过度上，线的要求会更高，因为它已经简洁到了顶点，只有一根细线的存在，已精简到极致。今天，我们观察中国古画，已经是“现代人”的眼光了，相信从前的人不是这样的，没有比较就没有伤害。

其实，这里的“协调”标准已经变了。

因为我们现在看待工笔画中的人物，是用西方油画的审美标准去看待的。西方古典油画中，很注重肌肉骨骼运动变化，光影变化，人物比例，***……等关系，而这种标准在油画大量进入中国之后就开始了。

而传统工笔人物的审美标准是什么呢？神韵、体态、线条……等，和西方的审美就大相径庭。每一种审美体系的形成一定和当地的文化背景、经济、历史等有关。

一个经常看中国古典人物画的人就不会觉得有什么不妥，因为他从不会用“科学”的眼光去对待艺术。

相较山水画而言，人物画发展略显踟蹰，从存世作品来看，单线勾勒，重色敷染的方法基本上还是属于工笔画范畴，线条变化较少，主要靠线群之间的穿插关系支撑画面。

文人画出现后，笔墨得以解放，以书入画的理念让线具有了更强的表现性，线条的形状也产生了更多变化，这无疑大大丰富了绘画语言，增加了它的可读性和耐读性。然而这种转变更适用于山水和花鸟，人物画对于过多变化的线形似乎尚不能很好的适应，即便在某些个例中取得了成功，也多是以牺牲掉部分的形体严谨性为代价的。

石恪、梁楷、黄慎，他们的画都无法在形象刻画上达到阎立本、周文矩、李公麟那样的深入程度。当然，我们也可以把这类作品归入写心范畴内，在形和笔墨的趣味游戏中逍遥畅快，但它们终究不能作为中国人物画发展的历史主脉而存在，否则，我们的人物画史也未免过于单薄了。

在人物画中，应该将中国画的造型元素和组合关系尽可能丰富的利用起来，在形和笔墨之间找到一条更好的结合之路，使形从平面上立起来，因为这样一来，形象的体、面就可以得到更好的塑造和表现，勾、皴、点、染这些造型元素就能得到更为充分的利用，它们的独立审美价值也可以最大化的彰显出来。

徐悲鸿、蒋兆和、方增先等人先后借鉴了山水、花鸟的做法，将人物画推进到了一个新的高度，众多后继者的思维更为开阔，在油画、版画、雕塑甚至设计等一切可以利用的***中汲取营养，极大地丰富了人物画的表现手法，创造出了大量不同于前人的新样式。

然而不管形式如何多样，有一点却始终无法忽视，那就是笔墨依然占据着主导地位，一幅画的耐读程度很大一部分仍取决于笔墨的质量。新鲜观念、视觉***、心灵震撼过后，我们依然会将关注点落脚在一些技术性要求上，反复品鉴一根线的起承转合，线与线的组合关系、对比关系，墨色的浓淡干湿变化等等。笔法、墨法是构成绘画机体的最小单位，如果把一幅画解剖开来，忽略掉画面的形象和内容，用纯粹抽象的眼光来看待这些构成部件，看它们是千篇一律的单调重复，还是能将众多丰富变化的元素糅合在一起，并协调的组织在不同的具体物像中，谱成一首优美的乐曲，就可以了解这幅画的价值大小了。